Das Malayalam-Kino erlebte in den 2010er Jahren einen großen Qualitätsschub, als frische und aufregende Stimmen zusammen mit begabten Schauspielern und anderen Technikern auftauchten und die Landschaft des indischen Kinos insgesamt veränderten. Unter vielen prominenten Namen war aus Sicht des Regisseurs Lijo Jose Pellissery definitiv der Spitzenreiter mit einem aufregenden Werk, das ihn zu einem der besten des Landes in der heutigen Zeit macht. „Nanpakal Nerathu Mayakkam“ (2023) ist sein jüngster Film, der dieses Jahr mit einem offenen Charakter veröffentlicht wurde, der dem Zuschauer Raum zum Nachdenken und Entschlüsseln gibt, anstatt ihn mit dem Löffel zu füttern. Dieser Film ist ein reines Geschenk im neuen Jahr von einem Filmgenie wie Pellissery und markiert seine erste Zusammenarbeit mit der dreimal mit dem National Award ausgezeichneten Schauspiellegende Mammootty, deren Leistung in diesem Film ein reines Vergnügen ist. Für Fans von Filmen, die frisch und unkonventionell mit surrealistischen Motiven sind und auch eine lyrische Qualität haben, kann diese Liste hilfreich sein, um Filme mit ähnlicher Essenz zu finden. Schauen wir uns ohne weitere Verzögerung die Filme an, die Sie Ihrer Beobachtungsliste hinzufügen können, wenn Ihnen „Nanpakal Nerathu Mayakkam“ (2023) gefallen hat:
Duvida (1973)
Mani Kaul bleibt eine der prominentesten Persönlichkeiten unter den indischen New-Wave-Filmemachern, die in den 1970er Jahren an Bedeutung gewannen. Seine Fähigkeit, brillant mit der Formensprache des Kinos zu spielen, ist lobenswert; Er hat einige wirklich faszinierende Filme gedreht, und „Duvidha“ (1973) bleibt ein Beweis für sein Können. Dieser Film basiert auf einem rajasthanischen Volksmärchen, das sich um einen Geist dreht, der sich in die frisch verheiratete Braut eines umherziehenden Kaufmanns verliebt, die Gestalt ihres Mannes annimmt und beginnt, mit ihr zusammenzuleben. „Duvidha“ (1973) verwendet einen sehr interessanten und einzigartigen Storytelling-Ansatz durch verschiedene filmische Mittel, vor allem mit der perfekten Mischung aus Stand- und Bewegtbildern mit Dialogen, Voice-Over-Erzählung und einem Soundtrack, der für eine äußerst fesselnde Uhr sorgt und sich dem stellt Themen wie Liebe, Verlangen, Identität und Dualität mit folkloristischem Appeal in der Behandlung des Stoffs und erinnert an die mündlichen Wurzeln der Menschheits- und auch der indischen Geschichte. Darüber hinaus wurde dieser Film von 1973 später von dem gefeierten Schauspieler, der zum Filmemacher wurde, Amol Palekar in seinem mit Stars besetzten Film „Paheli“ (2005) mit Shah Rukh Khan und Rani Mukherjee in den Hauptrollen neu verfilmt.
Kummatty (1979)
G. Aravindan gehört auch zu den Wegbereitern des indischen Kinos, dessen künstlerische Vision und Innovation in Bezug auf die Filmsprache große Filmemacher beeinflusst haben, darunter Lijo Jose Pellissery, und seine Filme haben dies gezeigt, insbesondere in „Nanpakal Nerathu Mayakkam“ (2023). , wo die Rahmen an Filme von G.Aravindan erinnern. Außerdem hat dieser Film eine Anspielung – oder heutzutage ein Osterei – auf „Kummatty“ (1979). Dieser Film dreht sich um eine Volksfigur, Kummatty, die die Kraft der Gestaltwandlung besitzt und Menschen in Tiere und Objekte verwandeln kann. „Kummatty“ (1979) ist ein Meisterwerk des Filmemachens, das nach seiner kürzlichen Entdeckung mit seiner Restaurierung sogar vom legendären Martin Scorsese gelobt wurde. Dieser Film spricht über Identitätsthemen und taucht mit einer sehr zarten und subtilen Dosis Humor in die Absurdität und Komplexität des Menschen ein. Erwähnenswert sind außerdem die grandiose Musik und der Score von Rajeev Taranath, die einen eindringlichen Charme haben und die traumhafte Wirkung des Films steigern.
Om Dar-B-Dar (1988)
Kamal Swaroop bleibt einer der am meisten unterschätzten Filmemacher, der bis heute nicht die Anerkennung erhalten hat, die er verdient. „Om Dar-B-Dar“ (1988) spiegelt perfekt einen Künstler mit immensem Talent wider, und der Film selbst ist von ganz anderer Art. Obwohl der Film auf verschiedenen renommierten internationalen Filmfestivals veröffentlicht wurde und großes Lob erhielt, wurde er in dieser Zeit in Indien nicht kommerziell veröffentlicht. Vielmehr wurde der Film nach 26 Jahren im Jahr 2014 veröffentlicht. „Om Dar-B-Dar“ (1988) gehört zu den originellsten und einzigartigsten Filmen, die aus Indien stammen, mit bahnbrechender Verwendung filmischer Grammatik durch einen nichtlinearen Ansatz die sich nicht in kleine Gattungsklammern einordnen lassen. Es kann ein komplexer Film sein, der zu entschlüsseln ist, und hat Charme genug, um ihn mehrmals anzusehen; Es ist fast wie ein surrealistischer Traum mit etwas skurrilem Sarkasmus und absurdem Humor, der sich als Satire auf den Zustand der Nation herausstellt. Interessanterweise hat Kamal Swaroop selbst gesagt, dass dieser Film die Geschichte von Lord Brahma ist und auf der Grundlage von Träumen und Bildern geschrieben wurde, die weit über Worte hinausgehen. Darüber hinaus inspirierte dieser Film eine Generation von Filmemachern, und seine Präsenz ist in großen Werken zu spüren; Ein prominentes Beispiel ist das Lied „Emosanal Attyachar“ aus Anurag Kashyaps „Dev.D“ (2009), das großen Einfluss auf das parodistische Lied „Meri Jaan A“ aus „Om Dar-B-Dar“ (1988) bezieht.
Das Doppelleben der Véronique (1991)
Wenn man auf die Meister des Kinos zurückblickt, bleibt der legendäre polnische Autorenfilmer Krzysztof Kieślowski einer der prominentesten und einer der humanistischsten Filmemacher. „Das Doppelleben der Veronique“ (1991) reiht sich zwischen zwei seiner bekanntesten Meisterwerke ein, die Miniserie „Dekalog“ von 1988, die aus zehn Filmen besteht (jeweils rund eine Stunde Laufzeit), und dem wegweisenden „Drei Farben „Trilogie. Der Film folgt zwei identisch aussehenden Frauen, Weronika und Véronique, beide gespielt von Irène Jacob; wo eine polnische Sopranistin und eine andere Französischlehrerin ist. Kieślowski übersetzt diese zentrale Erzählung höchst meditativ und akribisch auf die große Leinwand, die ein Gefühl von Melancholie und Empathie hervorruft und wahrscheinlich eine der schönsten und eindringlichsten rätselhaften Höhepunktszenen in der Geschichte des Kinos hat. Durch die Verwendung einer sehr symbolischen Bildsprache schafft es der Filmemacher, ein Gefühl von Mehrdeutigkeit und Mystik hervorzurufen und gleichzeitig eine sehr lyrische Qualität zu besitzen. „The Double Life of Veronique“ (1991) lässt einen auch die Themen Identität, Dualität und die menschliche Seele beobachten, indem es die Konzepte von Schicksal und freiem Willen erforscht und hinterfragt.
Heilige Motoren (2012)
Kaum ein Film der letzten Zeit ist von der Entstehung der Idee her so originell und frisch wie Leos Carax’ „Holy Motors“ (2012). Es ist ein reines visuelles und akustisches Fest und ein atemberaubendes Kinoerlebnis mit einer äußerst herausfordernden Erzählung, die völlig bizarr und voller Wahnsinn ist und gleichzeitig eine selbstreflexive Einstellung ist. Carax verwendet eine einzigartige Struktur und eine Reihe von Vignetten mit Monsieur Oscar (gespielt von Denis Lavant), der verschiedene Rollen übernimmt, vom Bettler über den Schauspieler zum Attentäter zum Vater und viele mehr. „Holy Motors“ (2012) bringt durch seine Absurdität eine überzeugende Vision des Kinos zum Vorschein, die durch eine surrealistische Vision die Konzepte von Identität, Performance und Kino selbst erforscht.
Ein Lijo Jose Pellissery Special (5 Filme)
Diese enthält einige der beeindruckendsten Filme des Regisseurs selbst, die man unbedingt ausprobieren sollte, und die durch seine sorgfältig ausgearbeiteten Filme weiter helfen werden, die Themen, den Stil und die Psyche des Regisseurs zu verstehen.
Amen (2013)
Nach seinem Debüt im Jahr 2010 drehte Lijo Jose Pellissery 2013 mit seinem Film „Amen“ (2013) mit Fahadh Faasil seinen ersten wegweisenden Film in Bezug auf künstlerische Brillanz. Darüber hinaus zeigte es die Wellen des Talents des Filmemachers mit einem zum Nachdenken anregenden Film, der sich um die Konzepte des Glaubens und der Menschlichkeit dreht und brillant einen nichtlinearen Erzählstil verwendet, was für eine äußerst fesselnde Uhr sorgt.
Angamaly Diaries (2017), Ee Ma Yau. (2018) und Jallikattu (2019)
Nach einem großen Debakel im Jahr 2017 fand Pellissery endlich seine markante und einzigartige Stimme wieder, die mit dem brillanten Krimidrama „Angamaly Diaries“ den Beginn seiner großen Filmemacherkarriere markiert. Sein Können in der filmischen Grammatik ist in diesem Film zu sehen, der einen der meistdiskutierten Filmhöhepunkte der jüngeren Vergangenheit bietet. „Angamaly Diaries“ ist voller skurriler und gut geschriebener Charaktere, mit einer ordentlichen Portion dunkler Komödie, und fängt die Essenz des Ortes perfekt ein. Darüber hinaus ist es aber auch ein Genuss für Augen und Gaumen der Zuschauer, vor allem wegen der geschmacksintensiven Darstellung der heimischen Köstlichkeiten.
Nach diesem bahnbrechenden Krimi, der das enorme Talent und die Kontrolle, die Pellissery über sein Handwerk hat, demonstrierte, gab es für Pellissery kein Zurück mehr. Dann liefert er mit den brillant chaotischen Dramen Ee Ma Yau (2018) und Jallikattu (2019) aufeinanderfolgend brillante Filme ab, die beide die Natur des Menschen durch eine Linse voller Sarkasmus reflektieren und viel Raum dafür lassen einen zum Lachen bringen, während man über die angeborene Natur des Menschen nachdenkt.
Churuli (2021)
Nach diesen aufeinanderfolgenden Erfolgen, sowohl in Bezug auf die Popularität als auch auf die Kritik, wechselt Pellissery den Gang und wagt sich in eine viel experimentellere Phase, in der er sich mit den Themen des magischen Realismus befasst. Der Film „Churuli“ von 2021 markiert diese Verschiebung, gefolgt von „Nanpakal Nerathu Mayakkam“ (2023). Obwohl der Film von 2021 eine ziemlich polarisierte Resonanz erhielt, ist es aus persönlicher Sicht eine faszinierende Uhr, die ein einzigartiges Kinoerlebnis vermittelt und eine sehr bezaubernde Wirkung hat.
Letzte Worte
Darüber hinaus können diese Filme ein wenig obskurer Natur sein, da sie die Einzigartigkeit und surrealistische Natur eines Films wie „Nanpakal Nerathu Mayakkam“ (2023) widerspiegeln. Einige der oben genannten Filme sind zeitlos und haben eine immense Bedeutung in der Geschichte des Filmemachens. Diese Filme zeigen außerdem den weiten Horizont der Sprache des Kinos, die wie ein Strom ist, der sich mit der Zeit ständig weiterentwickelt.
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